艺术论文范文（精选8篇）
艺术是精神和物质的奋斗，是高尚情操的宣泄，艺术的第一目的是再现现实。空间，在中国古代并不把它简单地当作物质实体之间的空隙，而是给予它以更深刻的精神意义乃至有关宇宙、自然、社会和人生的哲理。下面是差异网为大伙儿带来的8篇《艺术论文范文》，可以帮助到您，就是差异网小编最大的乐趣哦。
艺术论文 篇一
一、艺术设计伴随着人类的生产劳动的产生而产生
就艺术设计这一创造性的活动来说，它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动，是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，因而是一种艺术质的造物”。
人类的历史是从制造工具开始的，艺术设计的历史之河也从这里发源。当人类的祖先把一块石头敲打成用来切割和砍削的石刀时，最早的设计活动就开始了，这把石刀就是最初的设计产品。这种工具的创造首先符合实用目的，同时也顾及到了用起来方便、省力，以引起主体的快感。它的制作过程具备了设计所要求的从预想、选料到加工成型等必备过程，它的功能和形式结合于一体。最早制作劳动工具如石斧、石刀、弓和箭的原始猎人，是人类第一批设计师。工具的制造是人类自我革命的开始，也是人类区别于其他物种族类的根本。我们今天所看到的最早的史前艺术品，差不多都是与人的生活最紧密相联系的工具和食用器。这些就是我们人类早期之艺术设计。
艺术设计于是随着人类文明的发展而发展，随着人类的科学文明水平的提高，艺术设计也越来越科学化，其技术性也越来越高，艺术设计逐步成为了一种有目的的创造活动，成为了协调人和环境、个人和社会、生产和消费之间的手段。
二、经济属性贯穿于艺术设计活动过程的始终
艺术设计的经济属性是它区别其他艺术活动、手工业的首要特征。
人的相互关联构成复杂的社会，社会的不断进步与发展必然导致人对物质和精神生活的追求，艺术设计通过艺术与技术相结合的创新设计，像其他社会生产力一样创造社会的物质文明。
1、经济因素在艺术设计的不同过程中具有不同的形式和作用。
从设计到实现设计的全过程中，经济因素在不同的阶段具有不同的形式和作用。
（1）设计观念的产生阶段：艺术设计需要把握设计物由过去到未来形成发展的种种相关因素，然后以创造性思维方式和表现手法使之成为崭新的设计方案。
其中的经济因素体现在对原有状态的经济价值分析、市场需求预测以及新方案的经济内容评估等方面。
对原有状态的经济价值分析，是设计观念产生的基础。
（2）设计的实施阶段：设计的实施过程指的是设计方案由图纸到生产为实体的过程，对于设计来说，是实际制作的过程。
设计在真正付诸实施的过程中，从设计物的试产、批量生产和专利保护等方面均受经济因素的制约。
（3）设计的实现阶段：设计物最终要推向市场实现其经济价值，主要是通过销售来实现的，当设计物作为商品投放市场，设计师应当及时调查市场反映和销售效果，综合反馈信息以改进产品设计和进行新的设计构思。
其中，经济因素不仅体现在设计物的综合经济价值实现的过程中，而且作为改进更新已有方案和促成新的设计方案的产生基础，经济因素也起到了不可替代的作用。
1923年，现代设计之父格罗佩乌斯将德国包豪斯设计学院的教育理念“艺术与技术的统一”传播到全世界，使设计终于打破艺术桎梏解脱出来。
而在经济与信息化的今天，我们应提倡“设计与经济的结合”，设计必须服务于经济。
2、艺术设计通过预测未来的市场需求来确定设计目标和方向。
设计具有强烈的超前性、预测性。“设计”这个概念在许多场合中，也往往被“策划”等术语代替。这意味着设计与艺术、手工艺活动都不同，它更偏重于事前的过程。在整个市场营销的组织中，设计占有引导性的地位。
“设计→生产→销售→使用”这四个环节中，设计不仅在时间上先于生产、销售活动，而且设计的市场定位合理与否，在很大程度上决定了后两者的成效。
正因为如此，设计前的活动往往比设计本身花费的时间、精力更多。
如设计前必须进行大量的市场调查，包括对厂家、消费者、竞争对手、媒体的详细调查；调查之后的数据要加以统计分析直至最后提出成文的方案、策划报告；并且还必须根据市场状况及时调整方案，以适应突如其来的变化，这就要求设计师的思考必须高度理性化和高度专业化。
科学地进行市场潜量、市场占有率及需求预测，把握设计物实现为实体后在市场中的作用和价值体现，能够使新的设计方案更加合理，更加准确地适应未来市场，并且通过预测可以得到提高和创造设计物附加价值的理论依据。
三、艺术设计与社会经济发展是相辅相成的关系
1、社会经济的发展是艺术设计繁荣的基石。
艺术设计的技术性、经济性、文化性决定了只有社会经济高度发展才有艺术文化的繁荣。
从艺术设计本身的发展来看，现代设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。
艺术设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。
首先，因为社会经济发达，随着人们生活水平和自身素质的提高，人们不再仅仅满足于商品的物质性功能，而越来越重视消费过程的精神享受和审美快感，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。
其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。
知识经济是继工业经济之后的又一次革命。在知识经济时代，知识成为发展经济的主要的直接资源。在知识经济时代，设计艺术将成为人类十分主动和相当自觉的一种行为。大至建筑、环境、公共艺术、城市规划，小至食品、服饰、生活用品、劳动工具。总之，人类一切生存空间、物质和生活方式，都要经过精心而富有创意的设计。
人类将生活在一个经过了设计并不断被设计着的文化环境和文化氛围之中。也就是说，在这个新世纪，设计本身将成为人类生存和发展必不可少的一种方式，将成为一种历史沿革的文化。知识经济为艺术设计的发展提供了机遇与土壤。时代的变革，经济形态的变化，为设计艺术的创新发展将提供更为广阔的空间。作为社会经济发展的推动因素，设计艺术也必将以自身更为完善的运作体系，更好地为社会经济服务。
2、艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀。
艺术设计是艺术与科技相结合的产物，艺术设计同样也是一种生产力，在推动社会经济的发展。艺术设计发展的原动力在于满足人的需求。人类在生存与发展过程中产生的欲望和要求称为需求。按照美国著名的心理学家马斯洛(Maslow)的需求理论，人类的需求分为五个层次：生理需求、安全需求、社交需求、尊重需求和自我实现需求。艺术设计的市场取向就是以满足需求、引导需求、创造需求为目标的，它的目的是人而不是物。
其次，艺术设计所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动作出艺术化的设想和筹划。
总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的。
从这个意义上，也说明了艺术设计是一种推动社会发展的动力。艺术设计促进社会经济发展的典型案例，一是以德国为代表，由国家最高权力机关设立或制定专门的工业设计部，把设计业作为国家经济整体的一部分。
二是以原东南亚“四小龙”为代表，政府直接参与设计的实施。其目的是把设计作为国家综合性经济改革的一种手段，如通过调动本地工业的多种资源激发设计，以便能在国际市场竞争中推出高附加值的产品。
这三者相辅相成，其中，工业设计对日本经济的腾飞发挥了巨大的推动作用。从各个经济发达国家的经济发展史来看，“艺术设计也是一种生产力”“设计就是经济效益”的说法并不过分。艺术设计不再是对客观世界的简单反映，它强调创造性与个性，具有化腐朽为神奇的力量。通过艺术设计，可以提高产品的科技、艺术含量，提高产品的审美附加值，从而创造出更多的经济效益。
中国加入“WTO”已经成为现实，我国的经济运动模式和产业结构更新也将因此而发生深刻的变化，改革开放二十余年，中国的设计产业发展迅猛，且设计产业是伴随着经济不断成长起来的，特别是知识占主导地位的今天，对设计产业的适时性、前瞻性都提出了更高的要求。
无论是现在或未来，艺术设计都会以强大的推动力和自身优势服务于经济的发展中，推动科技的发展和社会经济的腾飞。
艺术论文 篇二
艺术\生活\艺术
摘要：桂桑的《泉》充分体现了现代达达先锋艺术的存在之根本――生活。美国作曲家约翰・凯奇音乐创作的偶然性和其音乐行为的必然性，则以其为蓝本，以解构的席度看后现代音乐用以寻根至生活这一真实的本源。
关键词：现代派 后现代派达达主义 桂桑《泉》 凯奇的音乐
【中图分类号】I253，5
【文献标识码】A
【文章编号】1002-2139(2009)-20-0182-1
西方社会发展经历了前工业、工业区和后工业三个大的阶段。前工业以土地生产为轴心，工业社会从机器生产为轴心，后工业社会则以消费和信息为轴心。20世纪上半叶，西方新伦理精神逐渐被享乐主义所取代，市场竞争成为最主要的竞争，消费和信息成了新的轴心，这些都标志着后工业社会的来临。艺术也由此因精英化走向世俗化；与生活的界线从模糊发展到消除。当世人还没有弄清现代派为何物时。后现代派已以一种更真实的状态生活化出现了。对于多数人来说，现代派是一架迟到的班机，而后现代派则像一架早到的班机。机代艺术通过各种形式上的革命来承担现代共在虚无中拒绝承认个体生命的有限性、执意自我扩张的精神表现。后现代主义艺术则走出艺术的贵族领地，走向世俗、无序，甚至干脆消除艺术与生活的界限。
现代主义音乐与其他现代主义艺术一样，无论怎样反传统，怎样革命都还是有序的，甚至是更严谨、苛刻的有序，只不过相对于传统而言是新的有序。而后现代音乐则走向无序走向行为过程，走向复杂风格或走向广场，走向世俗，走向虚拟空间，其实质是走向更为真实的生活及更具时代感的精神。
一、达达主义
(一}从历史上看，20世纪反理性思潮和艺术实践应源自达达主义。它是一场文学和艺术的运动，其性质是虚无主义。达达既是艺术，又是反艺术，因此它含有很明显的后现人主义成分。因此达达的后现代主义因素表现在反艺术和主体的消解这两个相关的状态上。
达达主义出现在一个绝对信念已经动摇的社会里。因此，达达主义者在“政治、道德和美学危机之际，最先强调个人需要得到自由”。达达的重要性，在于它是一种精神状态而不是一种风格或运动。H・H・阿纳森认为达达主义有三个共同因素，即：喧闹、并置和机遇。而对音乐而言，“喧闹”就是噪音，“并置”就是拼贴。“机遇”就是偶然，其中还有更细致的东西：噪音就是声音的“现成品”。
（二)马其尔・社桑(Mareel Duchamp）最轰动的作品是《泉》，这是他送到展览会的一个瓷便器，他的现成品(ready-made)做法引起很大争议。他的看法是：对现成物品的选择，它是以视觉的无所反应(visual indif-ference)为基础的，不讲任何高雅或粗俗的审美情趣……事实上，这只是一种完全麻术的状态。而这正是后现代主义之人的“无中心有我”的状态，也是后现代主义反对精英文化的姿态。
二、约翰・凯奇的音乐
(一)1952年夏天的“黑山事件”：被称为音乐发明家的美国作曲家约翰・凯奇联合几位艺术界朋友，在美国黑山大学举行了一次被称为战后影响最大的行为艺术“作品”表演。情形是这样的：观众坐在四周，凯奇站在人字梯上念演讲词，卡宁汉在跳舞，卢森堡的画悬的房梁上而他则在播放磁带，图德在弹钢琴，而诗人玛丽・卡・理查茨则在另一个梯子上朗读诗歌，其他两人往墙上播放电影和幻灯。像这样的综合活动，是典型的行为艺术。它充满随机性、偶然性，明显带有亵渎性。是对精英文化的践踏，也是对人们长期以来信奉的艺术观念的践踏，也是对人们长期以来信奉的艺术观念的践踏，艺术概念被打破了，艺术与生活界限从模糊到消解，人们不禁要问：什么是艺术？
行为艺术最基本的理念是：创作构思、计划，比媒介材料更重要，一旦表演的过程比结果的音响形式更为重要，这就可以称其行为音乐。
（二)约翰・凯奇成了战后先锋派的领头羊，对他的艺术创作思想产生重大影响的有两个：法国现代作曲家萨蒂(Saue，1866-1925），及日本禅学大师铃木大拙(1870-1966)。
铃木大拙的禅学使凯奇获得了一种灵魂的解放，使他认为有价值的是世界或生活本身而不是对它的解释。这正是后现代主义反人工、反控制的思想。
（三)凯奇寻找到了理想方法就是偶然、随机。因为他认为采用偶然的创作方法，可以使他的音乐从他的好恶中解脱出来，获得自由。音乐表演历来是在听众面前进行的，因而从一开始就有行为性。凯奇的(水的音乐）(1952)就是一个把听众变为观众的过渡性作品。在这个作品表演中，钢琴家不仅要演奏钢琴且还要倒水，在水里吹哨，摆弄收音机和扑克牌等等。这是典型的后现代主义：抹杀了艺术和生活的界线；消除了艺术高于生活的等级制，体现了反精英文化的姿态；消除了人工对音响的控制，既体现了禅学思想，又暗合了后现代主义的反美意义。
三、结束语
今天是一个对自身产生了怀疑的社会――通过响亮的抗议，通过实事求是的批评，或借助于科学的分析。在音乐的创作及表现形式上必须走新路或至少去探索新路。在后现代音乐中，我们所面对的一切是如此令人震惊，富于挑战性，难以理解或令人厌烦，归根就是一个全面转变观念过程中的现象。我们的生活及在作品中反映生活的作曲家就处在这一过程中。把这过程理解为一种危机是对形势估计的错误，因为危机是一种病态。发展的尖锐化，其结果不是导致复原就是导致死亡。但面对现代主义音乐，它的独创性和勃勃生机，这两种可能性都是无法想象的。
在今天这样一个时代里，社会心甘情愿地受政治骗子蒙蔽，接受娱乐业廉价的感情代用品，屈从于广告业巨头的哨音，难道就不许音乐用这些方法来使人理解自己，从而使社会提高对现实的觉悟吗？归根结底，这是一个既平常又有趣，既浅显又令人激动的现实，充满了矛盾与荒诞，但也充满了引人入胜的机遇。由此看来，后现代音乐也在完成一项它向来都在执行的任务，利用它所掌握的创作、表现手法来令人信服地展示更为真实的生活及更具时代的精神。
参考文献：
[1]C・W・E・比格斯贝，达达和超现实主义[M]，昆化出版社，1989。
[2]H・H・阿纳森，西方现代艺术史[M]。
[3]施图肯什密特，20世纪音乐[M]。
[4]《大不列颠百科全书》中关于《达达》。
[5]林德曼(德)，西方艺术风格词典[M]，广西美术出版社，1998，226。
艺术论文 篇三
【摘要】中国的艺术设计兴起于对西方艺术设计的形式模仿，现如今要实现持续发展，须要发掘出内在的力量——有中国特色的艺术设计风格，可喜的是，现在涌现出的很多优秀的艺术设计作品都继承了中国传统文化的元素，不论是中国传统文化的审美风格，还是中国传统绘画的形式，都为中国现代艺术设计注入了新鲜血液，具有中国元素的现代艺术作品都成为了当今中国现代艺术设计中的弄潮儿。本文从三个方面来谈谈现代艺术设计中的中国传统文化元素：现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴；现代艺术设计中的中国水墨画审美风格；中国传统文化对现代艺术设计的影响。
【关键词】现代艺术设计；传统文化；留白；线描；水墨画
一、现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴
（一）传统绘画中“留白”技法在现代艺术设计中的应用
“留白”是中国传统绘画中重要的艺术手段和独特的创作形式，中国传统绘画从一开始就没有所谓规定性的视角，文人骚客作画只是兴致所至，没有空间局限，任意角度都可以对身临其境的自然景观进行描绘，在构图布局上讲究的是画面整体性的逸致和美感。“留白”灵活自由的构图方式实现古代文人画家这些作画目的。
在现代平面设计的常用技法中，“留白”与“负空间”以及“空白”这些定义频繁出现，设计师通过对整体布局、空间空白、色彩渲染、尺寸字体等使用来定位视觉焦点，从而达到突出设计主体，夺人眼球，传播设计理念或者产品特色的目的，可见留白在平面设计中是一个十分重要的设计要素。
尤其是国际大牌产品在定位品牌文化时选择的设计通常看起来非常简单，简单背后却又直击人心，形成十分高级而简约的美感。无印良品从创立品牌以来一直主张“less is more”的设计理念，这句话出自20世纪30年代的建筑师——密斯·凡·德罗，就是尽可能地简化一切加诸在产品上的装饰，讲究回到物料最原始的本来面目，反而能够发现更多、更广阔的美感，这同时也是艺术史上极简主义的艺术追求，也体现了留白给现代设计所带来的巨大发展空间。在设计中追求“简约”的美感，是通过不断地进行减法来实现的。在去掉繁复的信息叠加之后，所出现的大面积的安静的空白就是留白，留白便是“简约”的载体。
（二）现代艺术设计中的传统“线描”技法的运用
中国传统绘画艺术，尤其是国画中的工笔画，对线性思维的运用可以说达到了炉火纯青的地步，就是“线的艺术”。线条是中国传统绘画表达艺术形式的重要手段之一，并且在线条的背后有着深刻的文化内涵和意义。中国传统绘画艺术能体现出中国传统文化的特征就是“以线存形”，古代的文人墨客在作画时，线条就是他们造型的基础，娴熟且细致入微地运用线条考验了作画者的功底，进而表达深刻的情感思想。
中国现当代平面设计对线条的运用师从于中国传统绘画中的线条，采用最传统的造型技法的古朴风格运用到平面设计的风格中，别样的体现现代人对艺术美的追求。在国画和工笔画中，线条的运用早已达到炉火纯青的境界，古代画师对线描技法的运用有着一套严密而精细的手法，无论是工笔画丝丝入扣的线描，还是水墨画墨笔线条流畅挥洒，都是古代文人在作画时或直抒胸臆或婉转传情的深刻体现，能让观者在面对作品时直接感受到创作者创作时的心绪变化，表达出画家的思想感情，体现出时代的精神实质。经典的画作不论是哪个年代的欣赏者鉴赏，都能通过线条的曲折波动感受到创作者的意趣。
现代平面设计中线条有千万种的变化，曲直波折，虚实变幻，由此构成的图形世界能够更加多元化地表达现代社会人们的情感需求，具有线条感的设计作品在观者的印象中更加具有现代性，具有强烈的现代艺术形式美感的印象。将绘画中的线条融入到设计中，为现代设计打开了更高阶的大门，让现代设计具有了更丰富的表现形式。另外，将传统中国画运用线条的飘逸感到现代设计作品中，能够打上中国特色的印象，更加丰富作品的思想内涵。
二、现代艺术设计中的中国水墨画审美风格
（一）现代艺术设计实践中对中国水墨画构图和意境的运用
中国画是一种“意象”艺术，“意”起着支配作用，“象”从属于“意”，以“意”造象，一切以“意”为之。中国传统绘画的意境构成法则，也可以成为平面设计中的构成法则。悠远缥缈或情感流动的意境，通过一定的精心设计构图，变成动态的可以无限幻化的云天、岚雾、江河、池沼等，既有传统的中国风，又体现了现代艺术设计的意境感。在现代艺术设计中，画面构图的意境化，可以使画面设计空灵有生气，使有限的直观画面充满诸多想象，产生此时无声胜有声的丰富效果，满足现代人更高的精神层面的需求。
（二）现代艺术设计优秀作品中对中国水墨画虚实结合的运用
中国传统绘画，特别是水墨画的画面营造，在表面意象的刻画下，追求的是“意象之外”的意义，也即意境氛围的追求。要实现一定的意境氛围，就要通过调整画面景物的虚实关系。水墨画虚实的体现一般都是以“留白”“计白当黑”“以实观虚”等绘画理念来构成的，空白和虚景的运用能让画面更加富有空灵的感觉，也能给观者无限想象的空间。
现代平面设计的构图中，平衡好虚实关系一样很重要，实物多了，显得画面拥挤，信息太多反而过于纷杂，就要善于“实物虚化”；虚景多了，又会显得整体涣散，不能突出主题和重点，就要善于“虚物实化”，找到虚实之间的平衡点，才能实现空间上的合理安排，才能使整体画面活泼又不失重点突出，并且能营造逸致飘逸的中国风。
中国画中的水墨风格是在平面设计风格中运用得最常见也最重要的一种艺术表现形式，水墨风能够充分地运用虚实结合的艺术表现，使得要突出的对象描绘显得“似又不似”“似实而虚”，从而能在一定的意境中突出对象的神态。现如今涌现出很多优秀平面设计作品在营造意境时都采用了虚实结合的艺术表现手法。
三、中国传统文化对现代艺术设计的影响
（一）中国传统文化内涵在现代艺术设计中的重要性
在现代社会中，设计风格的取向可以说是现代潮流的风向标了，设计所涉及的层面非常广泛，诸如色彩、工艺、材料等，设计作品通过这些物料的选择取用，能透出更深层次的一个时代人们的审美追求的潮流、生活方式的改变、价值观念的更新等上层建筑的建设。
中国传统绘画是经得起时间检验的经典艺术，其背后悠久而深厚的文化底蕴，是现代艺术设计取之不尽的源泉，同时也是现代设计获得具有中国特色风貌的文化宝库，能够让中国设计在世界文化领域占有一席之地。
（二）中国传统文化精神在艺术领域的发扬光大
中国传统绘画充分体现了中华民族的文化内涵与特色，创作者以独特的东方视角以及审美思维来充分阐释了中华民族的文化特色。水墨画、工笔画等国画吸收了中国传统文化的精髓，充分体现了中国传统文化细腻、追求人的内心世界开掘的精神，国画中对于意境的追求、力透纸背的画法等都能够为艺术设计者提供更多的设计灵感。
中国传统绘画所体现出的独特的审美风格体现了东方文化的内涵价值。中国传统文化中的儒家文化精神——天人合一的自然观、礼治精神与人本精神等，使现当代中国艺术家和艺术设计者得以在世界艺术舞台崭露头角。
艺术方面的论文 篇四
浅谈三边地区剪纸艺术
中国剪纸艺术在我国古老的民间艺术长河中留下了光辉的足印，它从最朴素的乡土气息中走来，带着泥土的芬芳照亮了中国民间艺术的殿堂。在我国各个地区，由于文化传承的不同，体现出不同的艺术特点，北方地区的粗犷豪放，南方地区的柔美细腻，不同的剪纸类型，给予人们不同的艺术美感。最具代表性的包括陕北、江南、山东等地区的剪纸艺术。在此，笔者将对陕北三边地区剪纸艺术特色作一浅显论述。
三边地区指陕北北部的定边、安边、靖边三地，与陇东、宁南同属黄土高原丘陵沟壑区，北接毛乌素沙漠和鄂尔多斯草原，属温带半干旱季风气候区。随着人们的开垦及战争的影响，该地区植被状况不断恶化，森林面积不断缩小，是全国水土流失最严重的地区之一。独特的地理位置、封闭的地理环境、深厚的历史背景使这三个地区在文化上拥有着自己独特的个性，三边地区的剪纸艺术也正是在这样的环境下，包容了我国南北地区以及少数民族文化中的诸多因素，表现出独特的艺术魅力。本文从剪纸艺术的创作技法、创作题材以及其浓厚的地域性特点三方面进行探讨。
一、创作技法
三边地区的剪纸艺术主要以刻为主、以剪为辅。纸质选择上没有特殊要求，一般采用普通红纸即可，这种纸适宜窗花、墙面装饰等普通粘贴处。当然也有特殊情况下的特殊用纸，如在祭神活动或是丧葬活动中，需用浸过色水的毛边纸（纸钱用纸），剪一些表现祈福消灾的画面。主要创作过程有以下五步：
（一） 缝合
根据图案需要，剪取相关大小的纸张，以10～20张为一沓，将其边缘缝合，可以用订书机订，一般情况下，年长的民间艺人通常用纳鞋底用的针将这些纸整齐地缝在一起。
（二）压纸
这些缝合在一起的纸张会稍显不平整，剪纸艺人会用炕石或重物压在其上方，直到纸张平整，易造型为止。
（三）印模
三边地区剪纸都有存在时间很久的剪纸模板，这些模板多是由上一辈人流传下来的，当然在流传的过程中也会出现一些新的变动。首先，将模板用水固定在压好的纸上；然后，用煤油灯的烟熏贴有模板的纸的一面，直到在纸上熏出模板的纹饰；最后，去掉模板，纸面上就出现了要刻的图案。
（四）刻花
将熏有图案的纸压放在用动物油脂和炕灰混合构成的垫子上，用单片斜刀头的刀尖，按照纸上的图像进行创作，创作者要用力到位，仔细雕琢才能将图案表现得清晰明了。
（五）修剪
刀刻后的花纹有其不完善之处，比如人或动物的毛发、衣服装饰的细微之处等，用剪刀将其修改，自然、浑厚的剪纸就完成了。
二、创作题材
三边地区剪纸的题材主要包括吉祥图案、戏剧人物、山水风景、花鸟虫鱼、十二生肖等，这些题材都源于民间，是存在于人们生活中的真实再现。与其他地区不同的是，因地域原因又增加了具有自身文化特质的题材，如革命题材、陕北民歌的故事画面和极具该地区特色的劳动场面。
（一）革命题材
革命题材是陕北地区人民在剪纸艺术中经常表现的题材。三边地区作为红色革命根据地的重要政权所在地以及民间剪纸艺术的重要一支，成为革命题材剪纸艺术孕育的摇篮。1942年延安文艺座谈会以后，艺术家力群、陈叔亮、张仃、古元、夏风等深入三边地区，向当地群众学习民间剪纸，并且创作了大批反映解放区人民生产、斗争、生活的新剪纸艺术，使传统民间剪纸发生了革命性的变化。这种创作于三边地区的革命题材剪纸艺术
，在陕甘宁革命根据地迅速传播，在传播过程中，由于艺术表现手法的特定性，使革命题材剪纸艺术又充满了不同的生趣。常见的三边地区革命题材剪纸有《夫妻识字》、《骑白马挂洋枪》、《送郎参军》（见图1）、《兄妹开荒》、《白毛女》、《五哥放羊》等。
（二）民歌题材
陕北民歌是陕北地区特有的一种文化现象，最初从劳动号子中衍生，经过人们的加工创作，成为今天的演唱形式，其唱词和表现内容都是反映现实生活的，题材也多源于民间，三边地区作为陕北地区重要的文化摇篮，民歌 自然在该区域广泛传播。民间艺术是相互影响与渗透的，民间艺人也通过自己的想象与民歌中的故事情节结合，创作出表现民歌内容的剪纸作品。
常见的题材有表现男女爱情的《清水水玻璃隔着窗子照》、《世上只有妹妹好》、《泪蛋蛋泡在沙蒿蒿林》（见图2），表现婚嫁题材的《嫁女歌》，表现革命新题材的《喜在脸上笑在心》等，这些民歌题材给剪纸艺术注入了多样性与灵动性。
（三）劳动题材
三边地区的人民勤劳质朴，他们靠自己的双手种田犁地、放牧收割，劳动是他们生活中所必须的。也正是因为劳动，他们才有收获，即使是在艰苦的自然环境下，他们也一直用他们的坚强和勤劳与自然做着抗争，民间剪纸就是他们生活的一面镜子。在农闲时，妇女们会拿起手中的剪刀，将平日里她们劳动的场面表现出来，剪纸是她们生活习惯的一种，但却正因为这种习惯，使那些看似普通的劳动场景变为一幅幅其乐融融的画卷。常见的劳动题材有放牧、打场、纺线（见图3）、搓麦粒、犁地、挑水等。
三、风格特点
三边地区的剪纸艺术充满了浓郁的地方色彩，无论是人物的外观衣着还是富有特色的背景装饰，都使我们看到了这种剪纸艺术所特有的魅力。除以上专门提及的几种个性鲜明的表现题材之外，在其创作风格上又具有很强的包容性与传承性。
该地区剪纸有别于陕北其他地区粗犷、不拘小节的风格，它在保存了自身具有的北方少数民族遗留的文化之外，还融入了许多江淮地区细腻温柔的感觉，两种文化因素汇聚在一起，使得黄土高原的雄浑与江淮地区的阴柔结合而诞生出这样一个民间艺术的瑰宝——三边地区剪纸艺术。
（一）简单细腻的技巧
三边地区剪纸最大的特色不仅仅是它具有地方特色的表现画面，而且其中的装饰纹样具有简约而不简单的魅力。在看似笨拙、轮廓简单的人物或动物造型中，总会出现细腻的装饰纹样，使画面变得生动清新。
1、 线条细腻
三边地区剪纸画面都由细线条构成，这种细线条使得画面干净利落，并具有立体感；回环缠绕的细线条不会使画面显得轻浮，反而更加灵动。靖边剪纸能手华月秀的剪纸作品，使我们清晰地看到了细腻的线条在剪纸中的艺术美感。如《猴子捞月》（见图4）中那些细线条的树木与枝叶，同连成环状的块面的猴子形成了鲜明的对比，正是这样的对比，使得画面主体突出，有一种虚实相得益彰之感。
2、流苏式（锯齿式）装饰
流苏式（锯齿式）装饰纹样是三边地区剪纸艺术中的又一特色，无论是植物枝叶还是动物毛发，都有一种特定的（流苏式）锯齿状纹样作为主要装饰，在当地被俗称为“抖毛毛”。尽管在西北其他地域的剪纸中也有这种类似的装饰，但多数显得笨拙粗糙，不会像三边地区这样整齐分布且细如针尖，很好地突出了物体的特点和生命力。
二)南北文化的结合
三边地区自古以来就是多民族聚居地，其文化因素深深影响着这个地区。三边地区人们冬季着衣以羊的皮毛为主，《汉书·匈奴传》中记载匈奴服饰：“自君王以下，盛食畜肉，衣其皮革。”由此可见，匈奴文化对其产生的影响。三边地区还有头上扎羊肚手巾的习惯，据《旧唐书·党项传》载：“男女并衣裘褐，仍披大毡。”这些都是由游牧文化转化过来的。该地区人们的饮食习惯以蒸煮为主，手抓羊肉、羊杂碎、炒米、炒面等为特色饮食，与蒙族的饮食文化相同，这些长久以来的生活习惯使三边地区人们的身上有一种朴实与谦和，但并未丢弃马背民族高傲的天性，所以在他们的剪纸艺术中，亦有这种朴实的内涵。同时，江淮文化的进入，又带来了太多的细腻柔美，这使得三边地区剪纸艺术呈现出一种容纳南北的艺术特色。
吉祥图样、人物、动植物是剪纸作品中经常表现的题材，但南北方的表现手法却截然不同。三边地区将两种不同地区的表现技法结合于同一画面中，既有北方的大气，又有南方的细腻。笔者选择南北方各具代表性的剪纸，即江淮地区民间剪纸代表的安徽剪纸和黄土高原文化区域的民间剪纸代表安塞剪纸，予以比较说明。
1、吉祥图案
吉祥图案是民间艺术中最普遍与恒久的图样。安徽剪纸中的吉祥图案轻盈并且棱角分明，清新自然；安塞剪纸中的吉祥图案圆润饱满，一如黄土高原人民的那种憨厚感；而三边地区的吉祥图案则在表现轻盈之感的同时，将线条的分明感与体积的块面感合二为一，虚实表现得当，仍不失将一种富贵华丽感表现出来，在这种华丽中，也包含着北方人们所特有的朴实感。如通常所见的凤凰图案，安徽剪纸中的凤凰俨然是鸟中之王的姿态，翎毛飘逸，卓尔不凡；安塞剪纸中的凤凰厚重感十足，尽显富态之仪；三边地区则将二者凤凰的特点尽收其中，王者的头冠，庄重大气的尾部造型，盘旋动感的仪态，使得画面在传达富贵繁荣之意的同时，更多了些和谐平静的气息。
2、人物图案
人物图案是最能代表一个地区文化特征的纹样。江淮地区的人物娇小温柔，黄土高原地区的人们魁梧直率，表现在剪纸艺术中，突出了他们文化中的细腻与奔放，尤其是将他们生活中的模样真实地展示出来。安徽剪纸人物造型简单，服饰装饰复杂，这与民间流行的染织布艺有关；安塞剪纸多突出人物的造型及动作，使画面情节清楚，衣物装饰简单，仅以线条表现真实服装的特点；而在三边地区的剪纸作品中，我们不仅能看到人物的动作与造型，而且对人物的服饰装饰着重刻画，将南北剪纸艺术中的简繁，通过其细腻的线条表现在一起，构成了三边地区剪纸的特定样貌（见图5）。
3、植物图案
植物亦为剪纸中很常见的图案，它们时而独立存在，时而作为装饰与其他题材一同出现。在植物纹样的表达上，南北两地也有着各自的艺术语言。安徽剪纸中的植物造型多以写实的方式剪裁，从花朵到植物的茎、叶，都通过极其细腻的手法表现，宛如古代工笔画中花卉图样的再现。而安塞地区的植物类剪纸都采用了抽象夸张的表现技法，往往将植物与动物表现在一起，或是做以变形，使植物本身的物理特征弱化。与这两个地方的剪纸艺术相较，三边剪纸中的植物造型既有写实的成分，同时又兼有夸张变形。如剪纸荷花，在形象地表现荷花造型的基础上，又给荷花的花茎边缘增添了一些“抖毛毛”的装饰纹样。这种边缘的装饰，看起来不很合理，但正是这种不客观的装饰意味，才使得三边剪纸在表现柔情的花草时显出一种北方民族的豪迈。
4、动物图案
动物在民间美术中总是会被人们冠以一些美好的寓意，关于此类题材的剪纸作品样式繁多、风格各异，但每个地域总有其独特的艺术视角。南北方剪纸艺术中的老鼠，均被赋予“多子”的内涵。安徽剪纸中的老鼠古灵精怪，有一种抽象的表现意味，身体上装饰有复杂的图案；安塞剪纸中的老鼠在保持其固有的老鼠外形外，杂糅进了夸张的成分，但多以一种简单朴素的造型出现，多了一份北方地区特有的淳朴；在三边地区的剪纸老鼠图像中，老鼠多以写实的方式出现，真实地塑造了老鼠的外部特征以及它精明的特点。与安徽剪纸一样，其身上装饰有复杂的花纹，使得吉祥意味突出（见图6）。
根据以上对比研究，三边剪纸艺术中充满着南北方剪纸文化中的很多方面，无论是技法还是装饰，都体现出南北剪纸的综合性特点，这种综合性使得三边地区剪纸在其固有的北方民族的大气和张扬中兼有了江淮地区的清新灵动。
四、结语
综上所述，三边地区剪纸集历史性、生活性为一体，不仅题材鲜明、个性突出，更重要的是它将不同地域的文化表现整合在同一画面中，朴素中兼具大气，同时洋溢着清秀典雅之感。
然而，这种充满文化结合性、本土发展性的民间艺术，正在一步步走向没落，当这个贫困的地方开始有了石油资源作为生活支柱之后，原本朴素的生活、质朴的内心，就离这里人们的生活越来越远，而剪纸这样一个心灵艺术的再现者，则慢慢被尘土所遮掩。尽管有部分学者已经注意到这一地区剪纸文化的独特性，但由于资料的欠缺等因素，均不能进行深入的研究，这就使得该区域的剪纸艺术在时代进步的大流中日趋淘汰。在这种情况下，关于研究陕北文化的学者或是关于非物质文化遗产保护的机构，应该对三边地区的剪纸艺术多做详尽研究，尤其是在本土文化中兼有江淮地区文化因素的方面，这样才能使得这种民间艺术不会随着地区经济的过快发展而出现不平衡现象，也会使三边地区剪纸艺术走得更远。
艺术方面的论文 篇五
浅析艺术风情在复式住宅中的应用
中式风格突出“禅”， 色彩沉稳，造型庄重典雅。在局部装饰与色彩上穿插使用中式古典元素，如几、条、案、椅、窗花，或藏青、赭红等有中式元素的饰物来具有怀古主义的家居氛围。这种很有古典特色的装饰物，在我的设计中俯拾即是，茶几、餐桌、书桌、书橱等都可以看到这种有着传统古色古香的装饰成分。
欧式很典雅的古代风格、纤致的中世纪风格、富丽的文艺复兴风格、浪漫的巴洛克、洛可可风格，一直到庞贝式、帝政式的新古典风格，在各个时期都有各种精彩的演出，是欧式风格不可或缺的要角。欧式新古典风格在造型方面的主要特点是：曲线趣味、非对称法则、色彩柔和艳丽、崇尚自然。我在本次设计中也是运用了很多这样的欧式形式，比如，墙纸、窗帘、西洋壁画地毯等都是他们的具体表现形式。
中式或亚洲式的设计一向以简约、质感见长，如果能够巧妙地与西方现代、创新的概念结合，那么就可以完成一个时下最时尚的混搭之家。
一、室内环境艺术设计中的中西合璧
混搭，其实不难，也不简单。好的混搭需要有共同的设计语言，才能达到和谐统一，避免杂乱突兀，所以，我在本次设计中抓住了两个基本点：首先确定基调，虽然是多种元素并存，但不是混搭一气，混搭是否成功关键在于这个“基调”，如果基调把握得好，能起到事半功倍的效果，我本次设计的“基调”就是欧式风格，而中式风格来做点缀，这样就分出了主次，有轻有重了；其次，中西合璧是潮流点。中式或亚洲式的设计一向以简约、质感见长，在本次设计中，我会与西方现代、创新的概念相结合，相信我会完成一个时下最时尚的混搭之家！我在本次设计中，也充分考虑了“以人为本”这一设计要素，在二层阁楼洒下的无限阳光中，让我们感受到了大自然的舒适和惬意。一楼的过厅则没有过多“特别”的修饰一处，柔软的挂毯，大面积的纯白墙面，耐磨的玻化地砖，一切让人感到质朴纯真，由于有绿色植物的点缀，整个空间环境被置于随意和自然之中。中西混搭还讲求“形在神散”，具备古典与现代的双重美感，当然也少不了特有的文化氛围，一副中国水墨画，为家居环境增添了一抹人文气息。
二、中西合璧之个性之美
在我本次设计中，充分运用了色彩搭配的基本原则，相信会给大家带来眼前一亮的感觉：实用主义与浪漫主义在卧室中并存，蓝白色调浪漫而沉静，蓝色清透与白色的安静相互映衬，有着海一般的梦幻感觉，优雅的配色似如歌的行板，浪漫温馨，装点出如水一般纯净又内涵丰富的卧室氛围。蓝色的木质床头富于美感，被布艺包裹的床尾小几，色调、风格与床气质和谐统一，既有对比度又有连贯性。白色的窗纱轻柔摇曳，透过柔和的光线，身体完全回归到最原始的状态。浅色所营造的宁静氛围让烦恼的心情得到平复，白色床品上搭配古典花纹的灰色靠包，让卧室注入了轻视、随意的元素，是整个空间在明媚中蕴含着沉静的气息。
还有，浅色的条纹墙纸，蓝色的床头柜、白色的陶瓷台灯，清爽的色调搭配在一起，让卧室风格鲜明。
现代人生活的节奏快，常常让人感到身心疲惫，回到家中想要得到一片安宁与静谧，而这时家居空间的单纯往往是最好的减压方式，亮丽的色彩、简单的线条表现精致的生活，功能至上，造型精美，工艺精湛的简约家具，犹如一股清风吹过搬明快、洁净，让人倍感舒畅，一天的疲劳得以释放。我在饰品的选择中提倡简约，但简约决不等于简单，它是知性、清洁、单纯等元素的自然糅合，是自由休闲的生活理念的物质表现，特别是在小的居室单元中更是这样，否则会觉得空间很凌乱，甚至给人造成压力，这时，饰品反而在装饰元素中的起到了相反的作用。一种充满灵感和时代气息的高品质家具饰品，其设计和工艺紧贴世界潮流，继承了现代极简主义，糅合了中国审美哲学中的中合之美，在线条的表达上简洁清丽而不拖泥带水，符合现代都市人的艺术品位，引领者人们走向宁静而雅致的境界。
三、中西合璧之生活
我们知道，具有中国元素与风格的视觉语言，植根于中国文化的环境中，如何在国际视觉语言环境中达到沟通与理解？如何将中国视觉语言与西方视觉语言达到更好地融合？中国设计有了自己的文化，才能得到西方的尊重，我们才更有底气，也才有话语权。谋求多元是一种宽容，而正是这种立足于多元的宽容将引导着我们最终超越文化间的隔膜与抗争。在新世纪的曙光中，我们应该努力去开拓新的视野，对传统文化进行检讨和再认
识。认识你自己，改造这世界！为了改造世界，我们必须好好认识自己。强调当代创意设计的中国元素和风格，并非只是一味地怀旧、复古、更是一种文化独立与复兴的象征，有着现实的价值，是中国创意设计走向未来，走向世界的一个重要话题
结束语
室内装饰设计要符合地区特点与民族风格要求，由于人们所处的地区、地理气候条件的差异，各民族生活习惯与文化传统的不一样，在建筑风格上确实存在着很大的差别。我国是多民族的国家，各个民族的地区特点、民族性格、风俗习惯以及文化素养等因素的差异，使室内装饰设计也有所不同。设计中要有各自不同的风格和特点。要体现民族和地区特点以唤起人们的民族自尊心和自信心。
艺术论文投稿 篇六
论中国传统建筑中的艺术气质与魅力
我国传统建筑的艺术表现形式多种多样，一一详述难免冗繁拖沓，只能就其最主要的形式进行阐述，古代建筑最注重的是一种艺术生命力、一种人文精神，
我国古代的建筑南北方风格差异明显，北方的建筑气势恢弘，南方精巧别致，认识建筑的本质自当从传统开始。
一、中国传统建筑的空间构成
要谈古代建筑首先要知其特点，明其关联。
具体表现为：建筑的功能、结构和艺术的统一。
中国传统建筑多以土木结构为主体，侧重于空间的群体组合和序列转换，注重环境气氛的营造，意境含蓄，追求和谐统一，尤其强调与大自然的接触，通过门窗和院落，使人的活动始终同自然相联系。
空间，在中国古代并不把它简单地当作物质实体之间的空隙，而是给予它以更深刻的精神意义乃至有关宇宙、自然、社会和人生的哲理。
我国传统建筑的基本组合形态一般都是由四座单体建筑，以院落为中心，环布四周，构成一个“四合院”。
“院”也随之成为建筑群体组织的基本组合单位。
一个有规模的建筑群，便是聚集若干“院”组合而成的，因为建筑群的功能差别，故院落组配形制各异。
根据虚实结合，通过不同功能分区建筑空间的千变万化，来突破单体建筑标准化的制约并表达其深刻的精神实质。
二、典型传统建筑的特点分析
诚然，中国古代建筑的主要类型分为宫殿和民居，而宫殿又居于更为重要地位。
我国古代宫殿建筑，就布局可分为前朝和后廷两部分。
前朝，是皇帝举行登基大典，召见群臣与外国使节，接受百官的场所，是皇权的标志。
所以，这一部分要显示出帝王至高无上的尊严和权势。
宫殿建筑被这种设计思想所指导，所以古人把设计重点放在这一部分，运用建筑本身的巨大院落空间，创造出了强烈浓厚的威武、严肃的气氛。
在此，我们以我国历史上几个时期为例，进一步的说明。
隋唐以来的宫殿，都是仿周礼的手法，将前期分为大朝、日朝、常朝三部分，沿着宫城的中轴线，层层推进为整个宫殿建筑群的中心。
明清阶段，皇宫的紫禁城规模已远远能与汉唐鼎盛时期的巨大宫殿同日而语，明的三大朝已演变为大殿，坐落在高大的台基上。
即使是这样，我们也同样可以感受到帝王宫殿所特有的那种威严、壮丽的艺术氛围。
在这座南北长达九百六十米的宫殿中，从午门到乾清门的前朝三大殿，竟占了长达六百米的范围。
同时，为烘托这一高潮，特别设置了由大清门经千步廊、天安门、端门到午门的长达一千三百米的变化丰富的空间序列，这种手法，正是通过古代宫殿建筑特有的艺术效果，使其更加雄伟、壮观。
由于我国疆域辽阔，民族众多，各地的地理气候条件和生活方式都不相同，因此，各地人们居住的房屋样式和风格也迥然不同。
在我国的民居中，最有特点的是北京四合院。
北京明清时期的四合院是我国民居的典型代表。
在四合院中，它分为前、后两院，中门位于两院之间。
前院是作为门房、客房、客厅，后院非请莫入。
规模形式的华美，是全宅醒目之处。
座北朝南的房间为正房供家族中长辈居住，充分体现了中国传统儒家思想的长幼尊卑的观念，东西两侧的配房才是晚辈的居住地及其它用途，座标点成为个体在群体当中最具象的标记。
堂的左边为长辈居室，厢房为晚辈居室。
生活在其中的人们，都遵循着“男治外事，女治内事，男子昼无故不处私室，妇人无故不窥中门，有故出中门必拥蔽其面”的原则。
如此严格的封建等级制度，使得北京四合院以其强烈的封建宗法制度和空间组成成为我国古代建筑从群体到单体，由造型到色彩，从室内铺设到装饰摆设都被赋予了秩序感，既人们所说的。“礼者，天地之序也。
”这种强烈的儒家体制思想，既包括了封建社会君君、臣臣、父父、子子的社会秩序，又构成了封建社会建设等级秩序。
而这种蕴涵着社会、伦理、宗教的秩序美，又极大的延伸了建筑美的深度和广度，使建筑更丰富、壮观。
在现代主义设计的地方主义风格中，中国元素体现的也是儒家思想，当今社会中不少具有中国传统风格的设计以体现儒家思想观念为特色，如按照群体的组织关系布局，而非西方的单体的巨大的体量感的建筑。
色彩、材料的使用等等。
三、传统建筑对当下建筑发展的启示
我国传统形式的建筑在经过了几千年的文化洗礼后，形成了具有中国特色的传统文化，矗立于世界建筑之林，并一直被视为国家、民族形象的象征。
笔者认为中国建筑要在传统中创新再创新。
首先，文化传统的继承一般采用文化符号来表达，但更高层次的建筑设计除了吸收传统的精神外，还要有创新，有突破。
建筑要随时代前进，只有在传统基础上不断创新，我国建筑才能保持自己旺盛的生命力。
随着我国经济的飞速发展，对建筑的要求也必将不断提高，仅仅满足功能需求是不够的，还需要更深层次的文化内涵，传统的建筑艺术中有许多优秀的因素是现代建筑中所不具有的，所以没有继承就没有创新，没有创新就没有发展，继承是手段，创新是目的。
我国的建筑设计师有责任把我们民族的优秀传统文化发展下去，推动祖国建筑事业的发展。
四、总结
古往今来，每一种社会形式都会伴随着特定的精神状态，同时产生一批与精神状态相适应的艺术形式。
不管是建筑或是艺术，一开始，便具有强烈的意识形态特征。
文明属性是建筑与生俱来的。
因此，作为人类文明的重要组成部分，建筑的发展是人类文明和社会文明史发展的一个不可或缺的有机元素。
建筑艺术作为一种文化表达的同时，自身代表文化和生活环境。
充满独特意义、生命力强盛的建筑设计，将在传统与现实、传统与未来的建筑文化的碰撞中诞生并发展。
艺术论文 篇七
摘要：古徽州地处三省交界处，人杰地灵，徽雕的产生有其必然的因素，“三雕”有着其独特的艺术价值，在研究中国文化，民间艺术和文人艺术相结合的方面很值得我们借鉴，其精湛的技艺，精美的雕刻艺术品更是国之瑰宝，世界的宝贵文化遗产。
关键词：徽州；三雕；装饰；寓意
根据史料记载，古代的徽州就在现在的安徽省南部，主要分布于安徽宏村，西递，江西婺源一带，处在三省交界处。徽雕应用于建筑装饰上，装饰性风格具有浓烈的文化地方特色。徽雕主要有用于祠堂庙宇，园林民居的装饰的表现上，还用于室内家具的室内用品。我经常带学生去安徽江西写生考察，逐渐了解了徽雕这一门独特的雕刻艺术。
徽州的“三雕”主要指木雕、砖雕、石雕，徽雕之所以昌盛，有他的必然的原因。首先徽州山林地区，盛产木材。尤其是各种木材很多，取材很方便，所以他们大量的应用于家庭院落的装修装饰，例如室内的屏风，日常使用的桌子、椅子、床、书架、书房。再次石雕之所以非常的流行，就是因为这地方黟县地处山中，周围有大量的的大理石，这种大理石叫做“黟县青”被广泛用于村子的建设建筑中，这种石头有它的独特的艺术价值，经过打磨之后，会出漂亮的线条纹理，不仅石质坚硬，而且易于雕刻，所以被大量应用。还有就是因为徽商为了光宗耀祖，他们做了一辈子的生意，回到家乡，他们用大量的财力来修建祠堂，建立自己宗族，以显示豪华富贵的家庭背景和显赫的地位。他们用了大量的财力同时也培养出大量的能工巧匠，使得他们的雕刻技艺在大量的实践中不断炉火纯青，独秀一枝。最后徽州此地山清水秀，在黄山脚下，皇室家族的带动和提携，加上先人的智慧古训，走出一条耕读并举，亦商亦儒，以商养儒的路子，出现大量的仕途，商道都非常通达的历史名人、达官上卿，他们赚了钱，发达了又回家乡开学堂，教育后代，他们的发展同步也带动了此地的文化发展，徽雕就是在这么一个环境下形成的，其渊源于宋代，到明代清末极为昌盛。
我们首先看木雕，其主要应用于房屋的建构和装饰，古代大多数采用木质结构建，门窗床多采用了雕刻艺术，通过这种方式来显示家庭地位。主要体现在门楼、窗户的装饰图案的地方。下面我们继续分析一下其艺术特点，刻在门上窗上的木雕形象大多线条流畅，圆润饱满，十分干净利索。线条组织和疏密节奏飞舞流动。造型上笨拙可爱，夸张变形突出特点，简洁概括突出特征。外形很整，神情自然传神，动作表情表达十分到位。寥寥几笔，栩栩如生，左顾右盼，形成经典的模式。木雕的雕刻题材，有人物，走兽，花鸟，鱼虫，楼台亭阁等。其中有很多独特的动物，例如鹿，牛羊，蝙蝠，蟾蜍，喜鹊都进行了典型的概括，很具有代表性。另外还包括一些植物，如莲花，菊花，梅花，也进行了经典的概括特征，十分明显。木雕形象同时都进行了点、线、面的平面化的处理，极具有现代感。木雕还有一个非常重要的特点，就是经常用比喻的手法或者暗示的寓意，例如仙桃代表长寿；莲花和芦笙放在一起表示连生贵子；石榴暗示多子多福；把铜钱和蝙蝠放在一块以为福寿双全；瓶子里插了一把扇子就是说平生要积善累德；一个小孩儿手指天空代表指日高升；三宝方天画戟代表连升三级。木雕在安徽徽州一带起到了一种日常教育的作用，在潜移默化中进行了理学教育，尤其是对于幼学启蒙十分重要。有些在题材上如渔樵耕读，福禄寿喜，一些内容上都从书里提取出来，忠孝结义，富贵吉祥，仙人菩萨，无所不包。有些讲了一个一个的故事，有些是直接把书籍里边的故事刻出来以教育后人，各种形象的雕刻都是有其特定的意义和美好的愿望的，如五子登科，平步青云，百子图，官拜公卿，福禄双收。都是对人生幸福的完美的天伦之乐的向往。木雕的雕刻十分细腻繁复，讲究艺术美，有的讲究镂空的效果，镂空的层次很多，题材都在不同平面上内部中空，层次分明雕刻艺术十分高超。雕刻完之后，为了保护木雕，也是为了获得最美的效果，木雕表面又多用油漆彩绘，使得颜色鲜亮明快，内部的形象多用金色或金箔描绘，金灿灿的光彩艳丽显得有富贵之气。木雕主要采用浮雕和透雕相结合的方法，借助于流畅的线条，简洁古朴的造型，强调了对称及富有装饰的现代趣味，徽州的木雕雕刻风格朴实粗旷，平面突出。一直到明清后期，雕刻艺术日益繁荣，家家户户都都采用木雕来装饰室内家居。
第二种是砖雕，主要应用于门头上面，门槛，起到装饰作用。显示门第的不同，家族显贵的作用。雕刻方法十分突出形象，大都是浮雕，凸显出砖面之上，一般是左右对称成双成对的形象，镶嵌在大门门头之上，大多是吉祥瑞兽，大象，蟾蜍，钱币，麒麟送子，莲花，宝鼎出祥云，蝙蝠成双对，而且砖的外形也不是完全方形的，大多是小扇形，菱形的。这样砖雕十分灵动柔美，砖雕各种形象的表现也十分精细流畅，形象中的各种装饰纹案，装饰感十分强烈，而且有着美好的寓意。形象造型笨拙，有福气之感。构图采用平面并行排列，形象都处在同一平面上。这样和门头飞檐组合起来，使得门面很有气派，格局不凡。
第三种是石雕。石雕的代表一就是在西递宏村镶嵌在墙上的石窗楼窗，很多有圆的、扇形的、菱形的比比皆是。上面雕刻着精美的图案，有梅兰竹菊图，吉祥瑞兽等等。还应用于其他的地方，如房屋的台柱门楼，起到装饰作用。石雕多是小型动物石雕，造型朴实，神态自然，大多是小狮子或麒麟。二就是牌坊，更具有代表性，是皇帝赐给功臣表彰大臣的，歌功颂德，雕刻艺术价值更是精湛，西递的胡文光的牌坊最具有代表性。胡文光在明代嘉庆年间，中状元后来皇帝批准在他家乡建了这座功德牌坊。以表彰他在当官的时候做了很多好事善事。胡文光的牌坊有它独特的魅力和价值，是牌坊和雕刻艺术的完美结合，牌坊上雕刻的吉祥瑞兽，牌坊上有四个大柱子，柱子下端都雕刻石雕大狮子，狮子刻的非常栩栩如生，是完整的雕塑，大狮子和小狮子嬉戏打闹。牌坊中部刻有仙鹤麒麟瑞兽，在牌坊上部刻有天官赐福，仙人石雕，牌坊有大量镂空石雕，极尽繁复，一般多为透雕，还有圆雕、线雕等与各种技法的并用，可称为石雕中的精品。
徽州“三雕”受到中国传统文化的影响，本身在故事题材上多为民间传说，神话典故。动物图案也多来自于民间传说，花鸟图案，吉祥图案。徽雕是中华民族民间文化与文人文化相互结合而产生的一种民间艺术。自身体现了民间艺术的特色，也充分体现了中国传统文化的载体的演变和发展变化，是中华民族民间艺人的艺术才华的表现。也是中华民族的优秀传统的体现，是中国民间艺术的瑰宝，也是中国雕塑史上的具有代表性的作品，值得我们很好的研究和发掘，以便我们把它传承下去，让我们的子孙后代知晓我们传统文化的精湛和伟大。
【参考文献】
[1]杨文论徽州古建筑“三雕”之美。
[2]武旭峰编著、西递、宏村[M]、广州：岭南美术出版社。2013.
艺术论文 篇八
书法艺术·艺术书法
摘要：此篇论文旨在探讨研究中国传统书法艺术在当代艺术环境中的际遇，通过对书法艺术的学习以及对当代艺术的了解，发现当今的先锋艺术中许多作品（包括架上绘画，新潮美术，装置艺术，甚至行为艺术）都运用到了书法的元素，有的甚至直接将书法作为主要的表现形式。例如，在国内外颇受关注的徐冰等人的艺术作品，还包括近几年在书法界热闹过一番的“流行书风”现象等等。
不难发现，当代的书法艺术越来越远离传统的创作模式`风格，而更多的是对视觉艺术，形式美感的关注，传统的书法艺术逐渐发展成了“艺术书法”。书法艺术的这种逐渐走向多元化的现象是如何形成，其存在的主要表现，对于书法艺术发展的影响，以及人们的此现象的反思是本文主要研究的内容。
关键词：书法；艺术；多元化；现代转型；反思
20世纪80年代以来，随着改革开放和科技进步，新材料，新工艺的产生在人类社会带来前所未有的转变的同时，也为书法艺术打破了原有的格局，开拓了新的领域，全方位多维度地扩展了欣赏者的视野。现代书家们已不在一味追求传统的创作模式与风格。而更多的是对视觉艺术，形式美感的关注。可见，书法艺术已逐渐开始走向了多元化。而这种多元化现象产生的原因，此现象对书法艺术发展的影响，以及如何反思该现象是本文需要探讨的问题。
中国是书法的故乡。中国人把书法作为中华民族优秀传统文化的一个组成部分，并以此为骄傲。“书法”一词的意思，一直不十分明确。很早时是说写文章的一种笔法，以后转成为书写汉字的一种规范。然而如果只是把书法局限在书写法度之内会降低、“书法艺术”的高度。如果把“书法”概括起来，无论规范、方法、书迹、评论、分析、鉴赏、考订，甚至文字学、用具等等都积聚梳理在一起，说这是一门“学问”，倒是很合适的。另外，一些书法理论、书法史、艺术理论等论著也做了大量研究，试图对书法的“本质”做出概括和规定。如，书法是“线条艺术”、“造型艺术”、“具象艺术”、“抽象艺术”、“表达情感的艺术”、“生命艺术”、“纯粹艺术”、“最高的艺术”等。这些概括、界定和解说，或出于名家之口，或见于著名论著，它们对“书法艺术”的“高”度、“纯”度等都有认识上的差异，有趋同也有对立，但有一个共同点，即书法是“艺术”，是中国古代传统艺术。这在书法界、艺术界、学术界基本是一个共识。而“书法艺术”这一概念的出现则是在2004年底，文化部直属中国艺术研究院成立的“中国书法院”、标志着归属于人民政府的国家文化机构第一次正式予书法以“书法”身份。
五四以来，书法的存在意义一直遭到质疑。一位知名学者和作家曾哀叹中国书法所依托的“社会氛围”和“人文趋向”已经消失①，“古代书法是以一种极其广阔的社会必须性为背景，因此产生的特别自然、随性、陈恳；而当代书法终究是一条刻意维修的幽径，美则美矣，却未免失去了整体上的社会性陈恳”。更重要的是，由毛笔文化所涵养出来的那种文人品格和人格构架在现代文化语境中也失去了意义，甚至会成为民族生命力和创造性的阻碍。很明显，在当代书法创作中，人们为了推陈出新，想尽办法崭露头角，往往在创作中采用的是背离传统的方式，说的更具体一些，就是利用各种手段的创新来博得大众的认可。在书法界出现的这种现象我们命名它为：艺术书法。
“艺术书法”这一名词是由王镛老师首度提出的。顾名思义是将“艺术”提前，注重艺术的表现，而相对弱化书法的本事。这在当代表现为书法的民间化倾向上，近几年流行的“流行书风”就是其典型代表。纵观这几年来的各大书展，我们都不难发现书法正经历着从“书法艺术”向“艺术书法”转化的过程。导致此种现象出现的原因是多方面的。
第一，几千年的二王书风，颜筋柳骨看下来的确让人有点累，出现审美疲劳是很正常的。许多作品让人看下来已经不是艺术而是复制品了。于是更多的作品开始追求视觉上的感觉，开始抓形式感，尽管这在有些人看来是丑态百出，但你不得不承认它确实让人有眼前一亮，有豁然开朗的感觉。
第二，展览和比赛的效应不容小觑。近二十余年来，各种书法展览和比赛此起彼伏，尤其是两年一届的全国展和中青展对流行书风的兴起起着十分重大的推动作用。在展览和比赛中，某种风格的作品得到了专家的认可或者受到了媒体的关注，那么效仿这一风格形式的人马上就会一哄而上。为了获得好的名次，参展和参赛者往往会投评委所好，纷纷追摹评委的风格。正是因为书法流行现象的出现，以王镛为代表的几位书法艺术家共同主持了“首届流行书风、印风提名展”，并连续成功做到了现在。展览中的作品坚持汉字书写及线条原则，基本上仍属于传统书法的范畴，与更具前卫意义的“现代书法”有着较大差距。但参展作品基本反映了近二十年来中国当代书法在观念和实践上的一个最主要的趋向：随着书法实用功能在现代社会的日益消减和信息时代东西方文化资源的不断丰富，中国书法的艺术性和创作意识正日益凸显和升华，传统的书法艺术正经历着前所未有的现代转型，以适应新时代的需要。虽然流行书风遭到了不少人的批判，但其批判者们也许不得不接受这样的事实，即“流行书风”经过二十多年的发展，已成为多元化时代中国书法艺术的流行风尚，并显示出相当的风格魅力和艺术史价值。
当代书法创作者对书法艺术现代视觉效果的不断追求，是书法艺术家们不甘寂寞的表现，也是书法艺术走向新的发展的富有生机的动力。他们已经不满足于传统书法的自娱雅玩和记事交流，而更多地注重用笔墨线条表达自己的创意与性情，并通过幅式、材料、颜色、结构等方面的突破来制造视觉上的特殊效果。现代展览中大多是顶天立地的鸿篇巨制，而且多为竖式，很少见到传统的尺牍和卷轴。这样的幅式比较适合现代化的展厅格局，同时也使观众有仰望之感，增强作品的视觉魅力。在用纸上，书法家们广泛取材，从传统本色的纯白净宣到富丽堂皇的洒金(银)宣，从有作旧效果的仿古宣到简单脱俗的手边纸，不一而足，除了在纸张上以背景色增加厚重感等手法以外，石开等书法家还大胆地以色彩入书，寻求新鲜的视觉感受。当然，更明显的是作者们对文字结构的个性化变形和章法布局方面的大胆探索。另外，从展览的布展风格较过去也有不小的突破，新颖协调，将作品拓裱在统一底色的展板上或装置于精美的画框里，旁边配有考究的标签，印有详细的说明、创作自述和主持人评语等，无形中提升了作品的档次。也极大的增强了观赏者的兴趣。 然而，“书法艺术”转化为“艺术书法”，也是具有自身必然性的。首先，书法在其漫长的历史轨迹中，曾经具有两面性，即书法具有实用性和艺术性两个相辅相成的方面。随着现代书写工具的革命性变化，中国人的书写方式发生了根本的改变，书法的实用性要求正在减弱，而艺术性要求则日益增长，人们力图在书法中获得艺术情感的表现和人格精神的追求，日益脱离书写实用价值的书法，应按照艺术的本性来发展。艺术的本性是不断地否定自己和永无止境的创造，不满足既有的艺术形式和风格，向传统挑战，追求原创性和超越性。这是艺术得以发展，繁荣的规律。其次，现代审美方式的改变，对书法艺术提出了新的要求。高科技、高节奏的现代信息社会，改变了人们对艺术品欣赏的方式。优雅精美的印刷术和发达的出版业，消除了艺术品的神秘性和复制失真性，人们可以及时掌握大量的艺术信息；良好的展览条件和收藏条件，提高了人们欣赏和品评书法艺术的维度，人们希望书法作为中国文化精髓所体现的艺术感受性和表现力有更为切实的现代体现。最后，书法家们面对书法的日益专业化和高度艺术化，以及大量优秀的异质文化成果的挑战，更有来自艺术消费市场的巨大竞争力，因此，他们无法停留于固有的书法观念和传统书法模式。他们的现实处境使他们不得不探索新的发展途径。
当然，形式上的现代感和丰富性并不能代表作品的本质特征。其关键所在其实是创作者们对传统书法艺术在当代社会发展创新的历史使命感及其作品中所反映出的当代社会文化特色。他们更多地思考传统书法的当下状况和未来走向，或者说他们希望书法艺术不要固步自封，而应再创辉煌。古今之变重要的不是形式，而是艺术的核心理念和书法家的心性品质的改变。古人重“格调”与“意境”的“高”与“低”。因此，从作品的艺术语言上，更多地使致力于从传统的资源中发掘出新的可能性。例如作品以墓志残纸为基调，并掺杂一些破坏性的用笔，力图表现结构、章法的动荡感和上下左右的呼应关系。不过，这样的书风也并不是那么好把握。不少创作者过于重视书法形式技巧上的翻新，而对书法文化本身缺乏深刻体悟，对传统书法艺术语言也缺少系统研究，因而其创新显得底气不足，粗浅浮躁。其次，由于创作者取法相似，观点相近，且互相影响，因而存在风格面目趋同的隐患，在强调个性的同时可能就失去了个性。
中国书法在全球一体化进程中不断探索这新的发展维度，原有古典的书法系统，正由文化封闭走向文化开发，尝试着汲取其他艺术的养料，来充实自己的表现力。“艺术书法”常常招致人们的非议，斥之为非书法、不识“传统”。但事实上，书法艺术不应躺在传统的、古人的艺术成就上面沾沾自喜，书法家们也不应该是艺术创造方面的懒汉，笔墨技巧固然是书法艺术的基质之一，然而它也能扼杀人的活生生的艺术感受性。由于我们肩负着沉重的历史传统，因此书法艺术的现代转换中，更应注重主体的分辨力，突出主体的创造性，以之开掘新传统，整合新方法，窥视书法艺术现代发展的生长点，在面向新生活的诸种尝试中把握书法艺术现代转型的契机。
由此看来“书法艺术”转向“艺术书法”也未尝不可。当然也可以毫不夸张的说书法艺术的这种发展变化是有贡献的，它在一定程度上也推动了书法形式美的建设。试想，如果一个歌唱家如果只是在舞台上向大家展示她的发音有多到位多准确，仅仅只是展示她的基本功，而不拿自己独具艺术个性的歌声展现给大家看，那观众又如何会有兴趣。中国古代的书法经典精华，被大众认可的就是那么几十个人的几十件作品，如果大家都去宗法他们的作品不去创造，书法艺术就不会形成勃勃生机，风格也不会在竞争中互补，而更严重的，书法这门艺术也会因此而衰落。
注释：①20世纪90年代初，余秋雨先生在《笔墨祭》一文中哀叹中国书法所依托的“社会氛围”和“人文趋向”已经消失。
参考文献：
[1] 当代书法论文选（理论卷）[M]。荣宝斋出版社，2010.
[2] 当代书法论文选（书史卷）[M]。荣宝斋出版社，2010.
[3] 历代书法论文选[M]。上海书画出版社，1979.
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[5] 文艺研究[J]。2008(12)。
[6] 欧阳中石。光明日报――文化与书法[J]。2007(621)。
[7] 王岳川。流行书风的文化问题[J]。2008(7)。
作者简介：秦兆诗（1989―），女，湖北武汉人，湖北美术学院硕士在读。
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